Top 10 álbuns lindamente falhos

Um álbum geralmente é considerado o lindo bebê de um artista; Mas às vezes também pode ser seu enterro feio. Afinal, a deformidade é uma parte da natureza, e o contraste só ajuda a acentuar as instâncias de beleza descarada. Aqui estão 10 artistas que disputaram alguma feiúra para realmente fazer seus álbuns brilharem:

10. Siouxsie e o TinderBox dos Banshees (1986)

Embora este álbum possa ser Siouxsie e o álbum mais cativante e mais refinado dos Banshees, ele também contém alguns dos trabalhos atmosféricos mais mórbidos do repertório atmosférico no repertório da banda. Isso é muito para o crédito do recém -recrutado guitarrista John Valentine Carruthers. É muito o violão que, quando não está puxando ganchos propulsivos polidos, faz com que este álbum sangrasse e se torne. A música "An Execution" apresenta ajustes de guitarra gritando e gemendo e todos os tipos de outras interrupções sonoras desarticuladas que fazem com que a faixa pareça como se fosse cortada e remontada aleatoriamente.

Siouxsie disse em uma entrevista de 1986 com a NME: “É muito bem costurada; Está tudo costurado. Isso é o que buscamos.”

E é isso certamente o que eles alcançaram: uma retalhos de manchas de sangue e quadrados de algodão branqueados.

9. Amnesiac da Radiohead (2001)

É fácil ver onde o Radiohead pode ser identificado como "rocha abstrata", pois seu som de mudança de forma certamente desafia qualquer estrutura de concreto ou lógica. Enquanto eles são capazes de melodias de hiperprensência convencionais (i.e. Em arco -íris e computador ok), eles podem cair do fundo do poço quando desejam explorar as próprias possibilidades de som. Amnesiac é o melhor exemplo de sons e ruídos desconhecidos (menos do que se pode considerar "música"). Repleto de cliques, bipes e miríades de formas de ruído branco, o álbum geralmente é apenas uma colagem de som, coletando uma variedade de ruídos obscuros em uma atmosfera sobrenatural de interessante.

Pegue as músicas "Push/Pull Door rotativo" e "como placas giratórias": os ex-Spurters, pula e incorpora vocais quase audíveis ao local onde a música soa como dano cerebral absoluto, enquanto o último contém sons de zumbidos no sentido anti-horário e vocais invertidos Isso parece que a música está de fato sendo tocada para trás (o que de forma alguma inibe o falsete apaixonado de Thom Yorke).

O guitarrista Ed O 'Brien disse, em uma entrevista ao Chicago Tribune, que seu som no disco é um produto de uma nova abordagem para criar um disco (que também se aplica ao álbum Kid A, que eles gravaram na mesma época) :

“Tivemos que entender o início de uma música do zero no estúdio e transformando -a em alguma coisa, em vez de tocá -la ao vivo, ensaiando -a e depois obtendo uma boa opinião de uma performance ao vivo. Nenhum de nós tocou tanto violão nesses discos. De repente, recebemos a oportunidade e a liberdade de abordar a música do jeito que o ataque maciço: como coletivo, trabalhando em sons, e não com cada pessoa da banda interpretando um papel prescrito. Era um trabalho bastante árduo para nós nos ajustarmos ao fato de que alguns de nós podem não estar necessariamente tocando nosso instrumento usual em uma pista, ou mesmo tocando qualquer instrumento. Depois de superar suas inseguranças, é ótimo.”

Para aqueles que gostam de Radiohead para sua direita, este leva um pouco a se acostumar (e uma apreciação por tudo o que vem do campo esquerdo).

8. Ga ga ga ga ga ga ga (2007) de Spoon's Ga Ga (2007)

(Começa em 1:55)

Os álbuns de colher tendem a ser muito amigáveis. Seu álbum mais recente, a transferência de 2010, foi montada a partir de uma mistura de gravações e demos de 8 faixas, que pareciam mais orgânicas do que suas sessões de estúdio (que eles finalmente descartaram). Em todo o ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga ga, você pode ouvir pequenas imperfeições (dublagens, ruído de fundo etc.), mas a música "fantasma de você permanece em particular parece que a fita foi lavada em ácido em lugares selecionados (começando em a marca de 1:55), que adiciona uma terceira dimensão do tipo Wraith aos temas de um “fantasma persistente.”

Em uma entrevista com um.V. Clube, o líder da banda Britt Daniel disse sobre sua inclusão proposital de tiques e bordas desgastadas no álbum, “Eu só acho que é mais emocionante. Quando as pessoas costumavam cortar discos ao vivo, havia erros o tempo todo que ficou em. Fazia parte do charme. Você está meio que faltando alguma coisa se tudo estiver médico e clínico. Então, quando ouvimos um erro que parece interessante, fazemos questão de mantê -lo.”

7. Ha Ha Sound da Broadcast (2003)

A tecnologia é completamente moderna, mas definida como "vintage", os grupos femininos dos anos 60 a la Phil Spector. Ouça "Winter Now" e ouça seções de corda deformada como um clássico 45 jogado pela milésima vez.

Em uma entrevista com Gimmebadvibes.A cantora Trish Keenan disse sobre suas tendências experimentais: “Avant-garde não é bom sem popular e popular é lixo sem um pouco de vanguarda. Dois deles são dinamite juntos e estamos sempre tentando apontar para uma combinação de ambos. Não sei como as pessoas puras de vanguarda fazem isso, deve ser uma tarefa ingrata, afastando os limites para o realmente estranho e extremo, mas a dicotomia é que eles geralmente são músicos incríveis.”

O que torna a música da transmissão especialmente assustadora é o fato de Keenan morrer no ano passado, que apenas imbui, ao revisitar, seu som com conotações mais fantasmagóricas, para onde você se pergunta se se esconde sob todas aquelas camadas de reverb é a própria Keenan, contida como alguma forma de energia intangível.

6. Death Cab for Cutie's Larred Stairs (2008)

(Muito final da música.)

A música "Pity and Fear" exemplifica o espírito do álbum, que é de espontaneidade e "LIGITO.”A música continua com um momento crescente reto até o final, sem conclusão cuidadosamente concebida. O resultado soa como uma fita literalmente cortada com uma tesoura muito cedo; Antes disso, o volume aumenta alguns decibéis sem motivo aparente. Se você baixar este álbum (em vez de comprar uma cópia digital ou vinil legal), você pode pensar que era um trabalho de pirataria ruim.

O produtor e guitarrista Christopher Walla disse sobre o álbum em uma entrevista ao The Vine, “O plano diretor para escadas estreitas era ser tão invisível e sem mão quanto um produtor possível. Eu estava realmente interessado em ver o que aconteceria. Quando começamos esse recorde, estávamos em turnê por quase dois anos. Tudo o que nos lembramos era estar no palco e tocar. Então, toda a idéia foi: o que acontece se estamos apenas no palco e tocamos, exceto que estamos no estúdio e estamos gravando?”

O que acontece é um som muito mais orgânico- algo que poderia ter sido plástico e sem falhas se torna algo mais humano e propenso a erros, algo real. E com um álbum como Stairs estreitos, que respira e suspira e sente (dor), essa estratégia de produção só aprimora sua ressonância.

5. Teen Dream de Beach House (2010)

(Verso, a partir de 0:40.)

Os membros da casa de praia Love Reverb. Seu material inicial soa como vinil deixado de fora por muito tempo ao sol. Enquanto eles procuravam limpar seu ato em seu último álbum, Teen Dream, eles não deixaram seus afetos por esse som difícil.

Em uma entrevista ao Pitchfork, o Bandmember (Duo-Centerpart) Alex Scally disse,

““A sensação de que o reverb lhe dá está por todo o registro. Que é a expansão do som. Você sabe, o reverb faz o que você faz um som e cresce para 20 vezes o tamanho original e enche tudo. Considerando que, com este registro, acho que estávamos tentando obter a mesma sensação com o arranjo e os sons reais.”

Victoria Legrand, outra metade da dupla, disse: “Reverb é essa máscara. É um estilo. É como uma cortina de renda ou algo assim. Mas funciona. Funcionou no primeiro disco e funcionou em devoção, e ainda está lá no adolescente sonho em algum grau.”

Legrand também deu a impressão de como os ouvintes iniciantes reagiram ao som deles, quando uma de suas músicas era um single da semana do iTunes:

““Eles eram como, 'eu odeio isso! Meu estéreo está quebrado!'”

4. A Psychocandy de Jesus e Mary Chain (1985)

Compradores involuntários do primeiro álbum de Jesus e Mary Chain, Psychocandy de 1985, devem ter voltado direto à loja para reembolsar, dando seu som incrivelmente chocante. Basta ouvir a música "Never Entender" (se você pode suportar) e ver se você não tem certeza absoluta de que seus alto-falantes estéreo tenham de alguma forma curto-circuito oub) a gravação é simplesmente 3-Straight-Minutes de unhas arranhando um quadro -negro.

Jim Reid, membro da banda, disse em entrevista à Pennyblackmusic, “Muitas pessoas não podiam acreditar que tínhamos a coragem de subir no palco e fazer isso porque não podíamos jogar.”

Ele adicionou, "O que tipo de nos puxou, acho que as músicas eram muito fortes. Talvez as pessoas não pudessem ouvi -las porque estávamos tocando tão mal, mas sabíamos que havia uma música básica por baixo.”

Sendo tão fortemente influenciado pelos Ramones como eram, que também não tinham um domínio adequado de seus instrumentos, não é difícil ver onde sua propensão a melodias corrompidas pode ter nascido. Mas mais do que apenas jogar desleixado, eles pareciam empenhados em dar o zumbido do ouvinte.

3. Echo e The Bunnymen (auto-intitulado, 1987)

Echo e The Bunnymen têm um som distinto, um equilíbrio entre ranhuras apertadas e atmosfera de guitarra vigorosa. Mas mesmo com a “distorção” flexionada em todo o seu álbum auto-intitulado (para onde o ouvinte de vinil faz duas tomadas na condição do próprio disco), o som não é o que a banda melhor identifica com.

O vocalista Ian McCullough deixou a banda depois deste álbum. Em uma entrevista de 1992, ele disse à revista Q, “Acabamos de ser sugados para uma nova mentalidade naquele último álbum, The Sound of Radio America. Foi ótimo aqui, mas então eu apenas pensei que não éramos mais o suficiente. Estava bem acontecendo, os estados estavam construindo e construindo, mas não parecia bem no palco. Nós não estávamos realmente nos comunicando como companheiros e outras coisas. Quero dizer, eu estava acostumado a acreditar que éramos o melhor grupo indo.”

Às vezes, muita pureza pode ser devastadora para uma banda que prospera com a angularidade. Mas mesmo assim, não há como negar o som de eco essencial que aparece em todo este álbum. Talvez o problema esteja em se tornar muito complacente, familiarizado com um território musical tão desconhecido.

2. The Velvet Underground Light/White Heat (1968)

(Começa a se desintegrar às 2:00.)

Este álbum é tão decisivamente desleixado quanto uma lata de ensopado de carne grossa de Campbell. E isso não é para o crédito de Andy Warhol, produtor fã de banana de sua linda estréia.

De fato, após a falta de sucesso comercial com o predecessor promotor de banana, eles demitiram Warhol e, com ele, sua idéia de arte.

Grande parte do álbum é chocante e dissonante (um valor direto de 17 minutos no álbum mais próximo de “irmã Ray”), mas a faixa-título (que deve imitar a experiência de uma anfetamina alta) melhor descreve a devolução da banda no caos voluntário. Depois de dois minutos do que seria os projetos essenciais do Punk Rock, a música se desintegra como se Reed, Cale, Morrison e Tucker os instrumentos implodiram no meio do desempenho. Se outra música não chegou imediatamente depois de um tipo de desfibrilador (eu.e. "O presente"), você poderia ter pensado que seu aparelho de som acabou de morrer.

Tenha certeza, o que é pego em fita não é completamente sem rumo, mesmo que o escopo seja deixado um pouco fora de foco:

Descrevendo os 17 minutos de caos puro que compreende “irmã Ray” Lou Reed disse: “Estávamos apenas tentando nos afogar naquele. Alguém disse 'quem está tocando baixo?'Não há baixo. 'Quando está a música?'Vai acabar quando terminar.”

Culpe as drogas, ou os espíritos compreensivelmente umedecidos, WL/WH é um prato melhor servido cegamente quente (ou com um Ramekin cheio de velocidade).

1. Diamond Dogs Dogs (1974) de David Bowie (1974)

(Às 5:00.)

O álbum toca como uma homenagem sônica gigante a George Orwell de 1984 e, como tal, um espírito distópico está distintamente presente. Leve o álbum mais próximo, “Chant da família esquelética sempre circulante.”A música se transforma em um loop enlouquecedor, que deve soar como um disco quebrado, onde o som repetido é“ Br, Br, Br, Br, Br ... ”

O som é o resultado de um loop de fita, mas, como a história diz, Bowie pretendia que a frase “Big Brother” fosse emergente (eu.e. o título da música anterior), mas quando acidentalmente foi reduzida a um simples "BR", ele foi com isso em vez disso. O som, depois de escuta suficiente, acaba sendo parecer "run", que é tão vago quanto adequadamente ameaçador.

Diz -se que Bowie foi influenciado, liricamente de qualquer maneira, por William S. O uso de Burroughs da "técnica de corte" de escrita, que é onde você pega uma peça de escrita e literalmente corta as linhas e reorganiza-as em uma sequência diferente, criando assim um significado/efeito completamente diferente.

Em uma entrevista na Rolling Stone, onde Bowie e Burroughs discutem os sonhos como uma fonte de influência criativa, Bowie disse: “Acho mais fácil escrever nessas pequenas vinhetas; Se eu tentar ficar mais pesado, me encontro fora da minha liga. Eu não poderia me conter no que digo. Além disso, se você é muito mais pesado, não há muito mais tempo para ler muito, ou ouvir isso. Não há muito sentido em ficar mais pesado .. . Há muitas coisas para ler e olhar.”

Lista de reprodução de álbuns lindamente falhos